Kategorie: Tina Oelker

Das Werk verkörpert 15 Jahre künstlerische Entwicklung, inspiriert von einer Reise nach Katalonien. Es durchlief mehrere Phasen vom Figurativen zur vollständigen Abstraktion (finale Überarbeitung 2019–2021). Die orange Farbpalette evoziert mediterranes Licht. Bei der Ausstellung Kunstverein Hamm 2007 betonte Beate Naß die Dominanz abstrakter Elemente.

The work embodies 15 years of artistic development, inspired by a trip to Catalonia. It evolved through phases from figurative to full abstraction (final rework 2019–2021). The orange palette evokes Mediterranean light. At the 2007 Kunstverein Hamm exhibition, Beate Naß highlighted the dominance of abstract elements.

The painting originated in 2017 as „Stadtgespräch“. In 2019 Tina Oelker added the characteristic stripes – marking the start of her unifying cycle. During this phase she reintroduced the elements and deepened the theme of the „25 Colours Stockholm“ program. The work was renamed „Gipsy King“ and completed

Das Bild entstand 2017 als „Stadtgespräch“. 2019 ergänzte Tina Oelker die charakteristischen Streifen – der Beginn ihres zusammenführenden Zyklus. In dieser Phase setzte sie die Elemente wieder ein und vertiefte die Thematik des Programms „25 Colours Stockholm“. Das Werk wurde in „Gipsy King“ umbenannt und fertiggestellt.

„Arktiska slickad“ (translated from Swedish as „Arctic licked“) was created for a group exhibition honoring Caspar David Friedrich, where artists interpreted the Ice Sea. The work combines various aspects of Tina Oelker’s artistic approach: the imprimatura technique, the square as a geometric element, and the transformation into organic forms.

„Arktiska slickad“ (aus dem Schwedischen übersetzt „Arktis gelutscht“) entstand für eine Gruppenausstellung zu Ehren Caspar David Friedrichs, bei der Künstler das Eismeer interpretierten. Die Arbeit vereint verschiedene Aspekte von Tina Oelkers künstlerischem Ansatz: die Imprimatur-Technik, das Quadrat als geometrisches Element und die Transformation in organische Formen.

This painting is based on an analog photograph taken by Tina during her time working in gastronomy while studying. The work has a long development history, from initial sketch to its final version in 2019. It combines documentary elements with a painterly interpretation of the space, which once served as a sailor’s pub. This process reflects Tina’s characteristic approach of revisiting and transforming works over extended periods.

Dieses Gemälde basiert auf einer analogen Fotografie von Tina. Die lange Entstehungsgeschichte reicht von der ersten Skizze bis zur finalen Version 2019. Während ihrer Studienzeit arbeitete Tina in der Gastronomie, unter anderem in der „Amphore“, was ihre künstlerische Perspektive beeinflusste. Das Werk verbindet dokumentarische Elemente mit einer malerischen Interpretation des Raumes, der einst als Seemannslokal diente.

This work is based on the „b-present“ installation from 2003, which transformed a historical space from Wim Wenders‘ film „The American Friend“ (1977) into a painted club scene. In 2018, Tina Oelker reworked the central painting „The Queue“ to create „Athene“. The painting combines elements of the original club scene with symbolism of the Greek goddess of wisdom and warfare.

Dieses Werk basiert auf der Installation „b-present“ aus dem Jahr 2003, die einen historischen Raum aus Wim Wenders‘ Film „Der amerikanische Freund“ (1977) in eine gemalte Clubszene verwandelte. 2018 überarbeitete Tina Oelker das zentrale Gemälde „The Queue“ und schuf daraus „Athene“. Das Bild verbindet Elemente der ursprünglichen Clubszene mit der Symbolik der griechischen Göttin der Weisheit und Kriegskunst.

„Zeus“ is a work from Tina Oelker’s oeuvre, created through a three-stage process. The starting point was an abstract idea, developed over several phases. This resulted in various layers or „dimensions“ that give the painting depth. The layering invites viewers to engage with the work repeatedly.

„Zeus“ ist ein Werk aus Tina Oelkers Œuvre, das in einem dreistufigen Prozess entstand. Ausgangspunkt war eine abstrakte Idee, die über mehrere Etappen weiterentwickelt wurde. Dabei entstanden verschiedene Ebenen oder „Dimensionen“, die dem Gemälde Tiefe verleihen. Die Schichtung lädt den Betrachter dazu ein, sich immer wieder mit dem Werk auseinanderzusetzen.

Hermes N° 3 is part of a three-piece series on the theme of Hermes. The work went through several stages of development, beginning in 2012 under the working title „Face off“. The final version was created in 2020 and reflects a conceptual evolution that is thematically addressed in my book „Von Hasen und Göttern“ (Of Rabbits and Gods) (2021). The painting serves as the cover image for the book and is in direct dialogue with my artistic exploration of the figure of Hermes.

Hermes N° 3 ist Teil einer dreiteiligen Serie zum Thema Hermes. Das Werk durchlief mehrere Entwicklungsstufen, beginnend 2012 unter dem Arbeitstitel „Face off“. Die finale Version entstand 2020 und reflektiert eine konzeptuelle Weiterentwicklung, die in meinem Buch „Von Hasen und Göttern“ (2021) thematisch aufgegriffen wird. Das Gemälde dient als Umschlagbild des Buches und steht in direktem Dialog mit meiner künstlerischen Auseinandersetzung mit der Figur des Hermes.

Tina Oelker repainted this work in 2024, which began as a self-portrait in 2022. This overpainting is a typical example of Tina’s approach to reinterpreting older works and transforming them into abstract compositions. In „Persephone“, the original figurative foundation remains perceptible, but the reworking translates it into a multi-layered and dynamic visual language.

Tina Oelker übermalte dieses Werk 2024, das 2022 als Selbstporträt entstand. Dieser Vorgang ist ein typisches Beispiel für Tinas Arbeitsweise, ältere Werke neu zu interpretieren und in abstrakte Kompositionen zu transformieren. In „Persephone“ bleibt die ursprüngliche figurative Grundlage spürbar, wird aber durch die Überarbeitung in eine vielschichtige und dynamische Bildsprache übersetzt.